ANA HIGUERAS, 1994-2000
Críticas, crónicas, entrevistas


1994

267) Recital de Canto y Piano, Fundación Marcelino Botín, Santander, 11 de mayo, 1995
Ana Higueras (soprano, Fernando Turina (piano)

Crítica:
Elena Umbría, "Alerta", Santander, sábado 13 de mayo de 1995: "Impecable técnica. El pasado jueves, la Fundación Botín abrió sus puertas a una gran figura en el mundo de la canción, la soprano Ana Higueras, que estuvo acompañada al teclado por Fernando Turina. Nos deleitó con su brillante voz e impecable técnica. (...) La interpretación de Ana Higueras destacó por la suavidad y el sentimiento puesto a lo largo de todo el recital, además de una perfecta impostación y un precioso timbre de voz que estuvieron presentes en todo momento, no olvidando el buen acompañamiento del pianista Fernando Turina."


1999

268) Joaquín Turina y su tiempo, Homenaje en el 50 aniversario de su muerte, Caja Madrid, Obra Social,
Auditorio Eloy Gonzalo, Madrid, 15 de octubre de 1999
Ana Higueras (soprano), Jaime Del Val (piano)

Comentarios al programa por Jaime Del Val:
"Nacionalismo y Tradición Europea. Homenaje a Joaquín Turina.
La primera parte del presente programa es una selección de canciones de algunos de los más importantes compositores de Argentina y Brasil del siglo XX. La segunda lo es de los más representativos compositores españoles de la primera mitad del siglo. En ambos casos se enmarcan en un momento particular del panorama compositivo de España, Argentina y Brasil: el caracter popular de casi todas las canciones es producto en parte de coyunturas políticas favorables al nacionalismo como en el caso de Villa Lobos pero sobre todo de la búsqueda de los compositores de una identidad musical nacional, siempre filtrada por la tradición musical europea. Ello explica lo tradicional del lenguaje en una época de vanguardias en las que hubiera sido fácil dar cabida a los elementos nacionales del lenguaje musical; pertenecen pues a un primer momento de reconocimiento del propio lenguaje. Solo después ha sido posible la asimilación de los nuevos lenguajes, los contemporáneos, en el panorama de la creación musical de espña, Argentina y Brasil.

Argentina: Carlos Guastavino, Compositor muy pródigo en canciones, más de 100, algunas de ellas conocidísimas, se desarrolló siempre dentro de un lenguaje tradicional con diversas aproximaciones a lo popular. "La Rosa y el Sauce" es de las más "europeas" en carácter con escritura orquestal en el piano y desarrollo polifónico de los motivos. "Se equivocó la paloma" es acaso la más célebre de sus canciones , con poema de Alberti. La alternancia de 2 por 4 y 3 por 4, audible aunque no siempre visible en la división métrica de la partitura, así como el carácter modal que produce la ausencia de nota sensible en la mayor parte de la canción acentúa el aire popular. La "Milonga de dos Hermanos" con poema de J. L. Borges, es una milonga pampeana, que no porteña, y evoca el acto mismo de narrar una historia.
La producción de Alberto Ginastera suele contemplarse dividida en tres periodos: nacionalismo objetivo, nacionalismo subjetivo y neoexpresionismo. Llegó a asimilar en modo muy personal muchas técnicas de vanguardia como la microtonalidad y el serialismo. Las canciones del presente programa pertenecen a época temprana y en ellas se advierte la cercanía a lo popular y la inquietud por lo nacional. "El Árbol del olvido" está escrita sobre un sencillísimo ritmo de "vidalita". La "Canción de la Luna Lunanca" recuerda el ritmo de chacarera y los acordes sincopados en los agudos del piano crean una atmósfera plateada de ensueño.

Brasil: La obra de Hector Villa Lobos está simepre permeada de elementos nacionales que elabora en forma muy oersonal.
La Seresta es una forma de música popular de principios de siglo en Brasil, muy tocada por los músicos bohemios en la calle, al atardecer, de ahí la escritura guitarrística. La lenta melodía que discurre entre los interludios de piano es una "Modinha" , forma de canción sentimental cultivada en Brasil en los siglos XVIII y XIX que como canción de amor estuvo relacionada con las más populares formas de salón, la Lundú, de origen africano, introducido por los esclavos que eran llevados a Brasil. La Lundú fue introducida en la corte por la Marquesa de Santos y "Lundú da Marquesa de Santos" es uno de los tres números musicales compuestos por Villa Lobos para la obra teatral de Viriato Corrêa "Marquesa de Santos". El ritmo de Lundú está siempre presente en el bajo. Se dice que la Marquesa de Santos era amante de D. Pedro I, Rey de Brasil, y que en la canción es el mismo Pedro I quien canta sus amores por la Marquesa. Titilia es el apodo de María Domitila, nombre de la Marquesa. La "Cançao do Poeta do seculo XVIII" es una Modinha.
Francisco Mignone, funde su formación romántica con sus intereses nacionalistas en piezas llenas de frescura y de aire improvisatorio como en la brillante "Improviso". "O doce nome de vocé" es una Modinha con interludios de Seresta, donde el piano imita la guitarra, como indica la partitura. La "Cantiga de Ninar" es una canción de cuna que recrea lo popular en una canción de concierto cercana al Lied. Cierra el programa la brillante "Improviso", explosión de ese aire improvisatorio que tanto atraia a Mignone quien en sus propias interpretaciones de su obra al piano no tenía reparo en alterar muchas notas en cada ocasión y tomarse gran libertad en los tiempos - buena prueba de ello son algunas grabaciones; la partitura indica "mosso e con entusiasmo".

España: Nos encontramos ante una diversidad de acercamientos a la hora de desarrollar la tradición popular española en el marco de la tradición musical europea que fue una de las constantes de los cuatro compositores, I. Albéniz, E. Granados, M. de Falla y J. Turina. en el caso de Albéniz tuvo lugar fundamentalmente en la obra para piano siendo su obra vocal menos característica de esta tendencia. Las formas más elaboradas de fundir ambas tradiciones se encuentran probablemente en Falla y notablemente en Turina que fue el único en adoptar formas propias de la tradición clásica, como en su Sinfonía Sevillana.
Las canciones italianas de Isaac Albéniz, de las que aquí se presentan tres, fueron escritas en 1887 sobre baladas de la Marquesa de bolaños. Obra temprana, el estilo es el del "Lied" centroeuropeo y no hay presencia alguna de elementos populares españoles. En las cuatro persiste un acompañamiento de síncopas en el piano. "Morirò" comienza con un recitativo para luego pasar a la etérea línea acompañada de acordes sincopados en pianísimo que crecen desbordándose hacia el final de la canción.
La colección de "Tonadillas" constituye el cuerpo central de la obra para voz y piano de Enrique Granados, que era a su vez pintor y poseía varias obras de Goya. . Las tonadillas eran un género típico a finales del siglo XVIII y principios del XIX, canción suelta, profana o religiosa que se empleaba como interludio de las representaciones. Las canciones del tríptico "La maja dolorosa" guardan ente sí elementos en común en cuanto a la música se refiere: el motivo que aparece al final de "La maja dolorosa nº 1" es el que abre "La maja dolorosa nº 2" y su esta concluye con un pasaje de staccatos ligeros en el piano, "La maja dolorosa nº 3" se abre con una introducción de staccato. Así una canción se encadena con la siguiente, siempre sobre el mismo ritmo ternario.
Las "Siete canciones populares" de Manuel de Falla se estrenaron en Madrid en 1915. en ellas Falla derivó el acompañamiento pianístico de las melodías populares de la línea vocal. En las tres canciones seleccionadas hay fundamentalmente dos formas diversas de afrontar la composición de canciones sobre melodías populares. En 2el paño moruno" y "Jota", Falla añade importantes introducciones e interludios pianísticos de carácter fuertemente popular que se integran orgánicamente con el resto de la canción por medio del ritmo, como en la primera, o del tema de la "Jota", en la tercera. En cambio en "Nana" el piano contribuye a crear una atmósfera de ensueño por medio de un ostinato sincopando la voz del bajo en cada parte con respecto al agudo con lo que el ritmo es indefinido y flotante.
Joaquín Turina: de su abundante producción para voz y piano hemos escogido algunas de las canciones más representativas. En "El Fantasma2 desarrolla en el intermedio pianístico un ritmo de petenera -canción popular de Andalucía- in crescendo que luego disminuye y se aleja, el paso del fantasma. La melodía procede del segundo tiempo de la Sinfonía Sevillana. Los misteriosos acordes del inicio se han denominado en ocasiones impresionismo sevillano. La versión original del "Canto a Sevilla" del que "El Fantasna" forma parte, es para voz y orquesta. "Farruca" y "Tu pupila es azul" presentan el ritmo de farruca -danza popular perteneciente al género flamenco, ritmo algo tranquilo de dos tiempos- y el carácter andaluz se refuerza por las agilidades de la voz que, aunque menos obviamente que en "Cantares" recuerdan el "cante jondo". Los ritmos populares se desarrollan en el contexto de la canción clásica romántica del "Lied", lo que demuestra la preocupación de Turina por integrar lo popular con la tradición europea. "Saeta en forma de Salve" tiene el carácter improvisatorio de la Saeta y las ornamentaciones de la línea melódica introducen el carácter andaluz. En estas páginas vemos el constante homenaje a Sevilla y la meditada elaboración de lo popular en las formas más complejas de la tradición musical europea. De esta tendencia, de este momentro de la música española -y como hemos visto en Argentina y Brasil ocurrió poco más tarde- Joaquín turina es un exponente fundamental."


269) Recital de Canto y Piano, Caja Madrid "Obra Social", Barcelona,
Plaza de Cataluña, 17 de marzo 2000

Comentarios al programa por Jaime Del Val: (Mismos comentarios que en Madrid salvo Falla y Turina que se sustituyen por
Mompou, Toldrá y Montxalvatge)
"Nacionalismo y Tradición Europea. (...)
Federico Mompou, que fue llamado el Debussy español, realiza una personalísima síntesis del impresionismo francés y el popularismo catalán, que más que por referencias a temas populares se construye por la recreación de atmósferas, climas y paisajes. Cantar del alma /1961) es una de las más célebres canciones con introducción e interludios de piano solo y voz igualmente sola a la manera del gregoriano, sobre el conocido poema de San Juan de la Cruz. También destaca en su producción vocal el Combat del somni (1942-1948) del que aquí se ofrecen las canciones primer y tercera.
Eduardo Toldrá muestra, aparte de la influencias francesas, las del lied alemán. Su producción vocal, constante en toda su vida, es muy numerosa, acercándose al centenar de canciones. Aquí se ofrecen algunas de las más conocidas: Las número dos y seis de las Seis Canciones Clásicas, sobre textos de Lope de Vega y Quevedo respectivamente y la segunda del tríptico Abril-Mayo.
Xavier Montsalvatge es compositor que sin rechazar la tradición se ha alejado más de ella que los otros compositores que integran el programa, situándose así en una zona media e independiente entre la tradición y la vanguardia, fiel a la tonalidad salvo algunos episodios seriales. Las Canciones Negras son un momento importante en su carrera ya que desde su estreno en 1948 forman parte constante del repertorio vocal de concierto. Son a su vez emblemáticas de lo que se ha dado en llamar su "estética antillanista". Se ofrecen aquí cuatro de las cinco canciones."